Presse

"Begegnung mit Seltsam" von Peter Bielesz.

Paul Celan und Martin Heidegger.

Pygmalion Theater Wien, 15.3.18

von Walter Pobaschnig - online - zum Artikel hier klicken

Ein abgedunkelter Raum. Das Bühnenlicht gibt ganz langsam den Blick frei. Ein Tisch, zwei Sessel sind zu sehen und verstreute Blätter. Ein Mann öffnet die Tür und stellt seinen Rucksack ab. Er wirkt sichtlich erschöpft. Sein Gegenüber sitzt starr und vertieft da. Eine bedrückende Spannung wie Erwartung ist sofort zwischen den beiden zu spüren….

Es ist ein weiter Weg, der den Dichter zur Berghütte hier in den Schwarzwald führt. Er kommt aus der Stadt, aus Paris, und daher hat er es mit dem Wandern nicht so. Als er ankommt, ist er außer Atem. Vom beschwerlichen Höhenweg, weil er starker Raucher ist, aber auch von der Last auf seiner Seele, die er seit der Flucht aus der Bukowina und dem Tod seiner Familie in der Shoa mit sich trägt. Doch er ist der Einladung gefolgt. Der Philosoph erwartet ihn. Und auch der Dichter hat Erwartungen zu einem Wort der Befreiung und der Hoffnung. Vor allem aber an den Mut zur Wahrheit – "Es ist Zeit, dass es Zeit wird…". Der Dichter heftet Blätter mit Wörtern an die Wand und versucht so ein Gespräch in Gang zu bringen. Doch der Philosoph balanciert ausweichend dozierend zwischen Sein, Zeit und Schein…

Philipp KAPLAN (PAUL CELAN) und Peter AUSTIN-BRENTNALL (MARTIN HEIDEGGER)
© Walter POBASCHNIG

Kann der Philosoph mit dunkler akademischer Vergangenheit diesen geforderten Mut zur Wahrheit leisten? Kann der Dichter zu einem Dialog mit dem Philosophen finden? Kann der geschnitzte Stern am Brunnen vor der Hütte zur Hoffnung im Wort werden oder wird er zum "Holzweg", auf dem es kein Ankommen gibt… Das Misstrauen ist groß und der Philosoph sucht immer wieder auszuweichen und in seine starren Denkmodelle zu fliehen. Und mehr und mehr wird der Wortwechsel zum Duell, das schließlich im dramatischen Finale endet…

Philipp KAPLAN (PAUL CELAN) und Peter AUSTIN-BRENTNALL (MARTIN HEIDEGGER)
© Walter POBASCHNIG

Der österreichische Autor Peter Bielesz nimmt sich mit dem Bühnenstück "Begegnung mit Seltsam" thematisch der Begegnung des Dichters Paul Celan mit dem Philosophen Martin Heidegger an. Am 26. Juli 1967 besucht Celan Heidegger in dessen "Hütte" Todtnauberg im Schwarzwald. Beide, dies geht aus zahlreichen Annotationen (Textanstreichungen in den Werken beider im Nachlass) hervor, setzten sich zeitlebens mit dem philosophischen Denken und künstlerischem Thema des anderen auseinander. Das Treffen selbst, Celan wird noch einmal kurz vor seinem Tod (April 1970) Heidegger besuchen, wird vom Dichter im Gedicht "Todtnauberg" angesprochen. Unmittelbare Überlieferungen oder Dokumentationen des Treffens gibt es nicht. Die Rekonstruktion erweist sich biographisch wie inhaltlich als schwierig. Die NS-Vergangenheit Heideggers als Universitätsprofessor wie die grundsätzliche Anklage Celans zum persönlichen Mut Heideggers zur Wahrheit  "Zur schwarzen Milch der Frühe…"  kann jedoch als zentraler Gesprächs- wie Konfrontationspunkt gesehen werden. Davon geht auch das Bühnenstück aus und öffnet einen facettenreichen Dialog zu historischer Wahrheit, persönlicher Verdrängung und den Grenzen des Denkens angesichts erlittenen Schreckens. Den Schauspielern Peter Austin-Brentnall (Martin Heidegger) und Philipp Kaplan (Paul Celan) gelingt in der herausragenden Regie von Geirun Tino eine spannungsgeladene ausdrucksstarke Darstellung, die bis zum Schluss gebannt folgen lässt.

Philipp KAPLAN (PAUL CELAN) und Peter AUSTIN-BRENTNALL (MARTIN HEIDEGGER)
© Walter POBASCHNIG

Ein ganz besonderer Themenabend zu wesentlichen Persönlichkeiten wie Inhalten literarisch-philosophischer Diskussion und Reflexion, der sich in jedem Fall reges Publikumsinteresse verdient.

 

"Begegnung mit Seltsam"  von Peter Bielesz.

Neues Drama aus Polen

von Veronika Krenn - Falter, 22/16, Wien - zum Artikel hier klicken

Mit den Worten "Man kann sein Gesicht nur dort wiedergewinnen, wo man es verloren hat" konfrontiert sich Witolt (Geirun Tino) mit seiner früheren Geliebten.
Vor Jahren hatte er sich fluchtartig nach Brasilien abgesetzt. Die Malerin Majka (Madeleine Steinwender) blieb mit einem Kind - jetzt eine junge Frau, Anka (Constantina-Elisabeta Vanca) -, vielen Fragen und offenen Rechnungen zurück.
Jacek Cygans "Abendessen mit Gustav Klimt" erzählt ein raffiniert verwickeltes Dreiecksverhältnis in Zeiten der Wirtschaftskrise und eine Migrationsgeschichte. Regisseur Nicolae Vladulescu ordnet die unterschiedlichen Blickwinkel der Figuren zu einem hübschen Mosaik an - erst Stück für Stück lässt er die Komplexität der Verstrickungen durchschimmern.

Die Premiere im Pygmalion Theater

Vor einiger Zeit, am 29. September 2015, war dank dem polnisch-österreichischen Kulturverein "Takt" auf der Bühne des Vindobona das moderne psychologische Drama von Jacek Cygan, "Abendessen mit Gustav Klimt", in der polnischen Sprachfassung und mit einer phänomenalen Besetzung (Małgorzata Foremniak, Piotr Polk, Ewa Porębska) zu sehen. Das Scena STU-Theater aus Krakau begab sich für den einen Abend nach Wien und präsentierte sich den Auslandspolen und dem breiteren Publikum.

Das Drama ist ein psychologisches Kammerspiel darüber, wie sich die Zeit auf die größten Passionen des Lebens auswirkt. Die Handlung spielt im zeitgenössischen Kreis der gehobenen polnischen Gesellschaft in Wien. Die Protagonisten sind Leute, die zwischen der Tradition ihres Herkunfslandes und dem Land, in das sie emigriert sind, hin- und hergerissen sind. In Österreich feiern sie berufliche Erfolge, sie führen ein Leben der "städtischen Bohème", allerdings bringen die Geheimnisse der Vergangenheit Unruhe in ihr Dasein. Wozu führt ein Treffen nach Jahren der Abwesenheit zwischen der Malerin Maria und dem Banker Witold aus Brasilien, was für ein geheimes Geschehnis verbindet sie? Und was hat Gustav Klimt damit zu tun? Erfahren Sie mehr auf: HIER.

Das Pygmalion Theater Wien ist ein Laboratorium moderner Theaterideen, in dem man, auf dem fundierten Wissen um traditionelles Theater basierend, nach neuen Lösungen sucht. Was das polnische Drama betrifft, waren die Jahre 1989/1990 ein Wendepunkt. Eine neue Generation von polnischen Theaterschaffenden, die sich plötzlich mit den neuen Umständen konfrontiert sah, betrachtete alles aus kritischer Distanz, und wandte nun ihren Fokus vom Politischen zum Gesellschaftlichen und zur Familie. In Zusammenarbeit mit dem Polnischen Institut Wien wurde im Pygmalion Theater das zweiwöchige Projekt "Jung, stark, frech – Die neue polnische Dramatik" durch Aufführungen, szenische Lesungen, Workshops, Gesprächsrunden und eine Ausstellung präsentiert: Polnisches Institut Wien.

Wir wurden zu der Premiere des psychologischen Dramas "Abendessen mit Gustav Klimt" von Jacek Cygan (in der deutschen Sprachfassung) eingeladen. Die Tatsache, dass das Stück von Jacek Cygan "über die polnischen Grenzen hinausgeht", dass es in andere Sprachen übersetzt wurde und ein großes Interesse genauso wie große Emotionen weckt, erfüllt uns mit Stolz.


Besetzung:
Witold Wolski – Geirun TINO
Majka Zimmermann – Madeleine STEINWENDER
Anka – Constantina-Elisabeta VANCA

Regie, Musik & Bühne - Nicolae VLADULESCU


Die Geschichte wurde uns ganz anders präsentiert als von der Scena STU-Theater aus Krakau aufgeführt hatte. Das Stück ist meisterhaft konstruiert aus Introspektionen über verlorene Liebe, verlorene Freundschaft, zerstreute Familienverhältnisse und verpasste Chancen. Die Schauspieler präsentierten sich sehr energisch und expressiv, wenn auch an manchen Stellen ein bisschen überspitzt, was die Reue, die Traurigkeit und die innere Zerrissenheit der Akteure hervorheben sollte – anders als in der Adaptation des Scena STU-Theaters. Von daher lade ich Sie herzlichst ein, sich mit den beiden Adaptationen vertraut zu machen. Geirun Tino schlüpfte genial und durchaus authentisch in die Rolle eines Menschen, der wegen ungeklärter Geheimnisse und Missverständnisse aus der Vergangenheit müde geworden ist, eines Menschen, der beinahe jegliche Hoffnung aufgab darauf, dass das Leben sich irgendwann wieder normalisiert. Die Interpretationen von Madeleine Steinwender und Constantina-Elisabeta Vanca waren ebenso ausgezeichnet.

Vor sowie nach dem Stück bat sich auch die Gelegenheit zu einem Gespräch mit dem Autor des Dramas, Jacek Cygan, dem Regisseur Nicolae VLADULESCU, den SchauspielerInnen des Pygmalion Theaters sowie den VertreterInnen des Polnischen Instituts Wien.

Zweifelsohne empfehlen wir jedem einen Besuch im Pygmalion Theater Wien, das die polnische Kunst und die polnische Kultur bewirbt.

Solo für einen Käfer

Im kleinen Wiener Pygmaliontheater steht unter anderem Franz Kafkas "Verwandlung" auf dem Programm

von Heinz Wagner - Kurier, 05.04.2015, Wien - zum Artikel hier klicken

In Tiere verwandelte Menschen gibt es in vielen (Zauber-)Märchen. Meist als Strafe für böse Taten. In der Regel wird der Bann irgendwann - durch Wiedergutmachung – aufgehoben. Manchmal dient die Veränderung der Erscheinungsform aber auch, um listig ein Ziel zu erreichen. In der griechischen Mythologie nutzt Obergott Zeus die Gabe aus, um Frauen zu erobern und die Obergöttin Hera zu betrügen.

Alltagstrott

Foto: Felix E. Abrudan
Ziemlich anders spielt es sich in Franz Kafkas "Die Verwandlung" ab. Lapidar startet die Geschichte damit, dass die Hauptfigur, ein Mann namens Gregor Samsa, an einem ganz normalen Arbeitstag aufwacht und merkt, dass er ein Käfer geworden ist. Wie, warum – das bleibt offen. Es gibt auch keine Rückverwandlung. Und mit Ausnahme dessen, dass alles mühsamer geworden ist, bleibt eines gleich: Alltäglicher Trott. So wie er früher aufgestanden ist, um den Zug zu erwischen und zur Arbeit zu fahren, so wird er nun – er ist ja gleich groß geblieben – von seiner Familie versteckt. Und so wie er zuvor alles geschluckt, als gegeben hingenommen hat, so lässt er sich, obwohl Riesenkäfer, weiterhin alles gefallen.

Solo

Foto: Felix E. Abrudan
Im kleinen Theater Pygmalion in der Wiener Alserstraße schlüpft Philipp Kaplan in die Rolle Samsas bzw. des Käfers. Er spielt Kafkas Stück als Solo, tritt hin und wieder aus der Rolle, um als eine Art Erzähler den Fortgang der Geschichte sowie die Handlungen der anderen Personen zu beschreiben. In seinen Bewegungen deutet der Schauspieler das Krabbeln des Käfers an – mit vollem körperlichen Einsatz. Ansonsten agiert er wie selbstverständlich, wie's der Autor vor 100 Jahren auch im Original geschrieben hat. Weder Verwunderung, noch Ärger über die "Verwandlung". Heute halt Käfer.

Januar 2015

Sehr geehrte Mitglieder/Innen des Ensembles des Theater Pygmalion!

Ich habe bis jetzt 2 Vorstellungen ihres Theaters besucht, "Die Schachnovelle" und "Der Spieler", und war (und bin es eigentlich immer noch) sehr bewegt, berührt und beeindruckt von den Darstellungen.

Das, war hier gezeigt wurde und wird ist höchste Schauspielkunst, die Intensität der Emotionen, die hier zum Ausdruck gebracht wurde, hat einen nachhaltigen Eindruck in mir hinterlassen.

Hier werden Gefühle nicht "nur" gespielt, hier werden sie gelebt, das ganze Wesen des Künstlers kommt in ihnen zum Ausdruck. Der Zuschauer beobachtet nicht nur das Geschehen, er ist Teil des Geschehens, und so wird die Distanz zwischen dem Künstler und dem Beobachter der Kunst aufgehoben.

Vor dem Hintergrund der minimalistischen Bühne heben sich die gelebten Gefühle noch stärker ab. Das Schwarz spiegelt die variantenreiche und vielfältige, breit gespannte Ausdrucksweise des Spiels noch stärker.

Besonders danken möchte ich Mag. Philipp Kaplan für sein gelebtes Spiel.
Wie er die Verzweiflung "des Spielers" darstellt, mit der dieser mit seiner Leidenschaft und Sucht für das Roulettespiel ringt, hat mich tief berührt. Ich erkenne mich in so manchem wieder und das ist - für mich - die eigentliche Bdedeutung der Kunst, die hier keine "nur" Kunst ist, sondern LEBEN: Etwas im Inneren des Zuschauers zu bewegen, in Bewegung zu bringen, ihn zu berühren, in seinem Innersten, dort eine Saite ins Schwingen bringen. Dieses Schwingen trägt auch im Alltag.

Ich danke auch für ihr Entgegenkommen, Menschen, die nicht über ausreichend finanzielle Mittel verfügen, einen Besuch in ihrem Theater zu ermöglichen, indem es freien Eintritt für Besitzer/Innen des Kulturpasses, wie ich eine bin, gibt. Das ist nicht selbstverständlich.

Ich freue mich schon sehr auf "Die Verwandlung", weil ich diese Erzählung als ein Meisterwerk betrachte und sie schon sehr oft gelesen habe. Und auch die nächsten Premieren werde ich sicher nicht versäumen.

Ich wünsche ihnen allen auch weiterhin so viel Leidenschaft und Freude an ihrer Tätigkeit und freue mich schon auf meinen nächsten Besuch im Theater Pygmalion.

Suttners Antikriegs-Roman auf der Bühne

"Die Waffen nieder!" nach dem Roman der Friedensnobelpreisträgerin im Wiener Pygmalion-Theater

von Heinz Wagner - Kurier, 28.06.2014, Wien - zum Artikel hier klicken

Foto: Pygmalion Theater
Die Spielzeit geht zwar erst im Herbst über die Bühne, doch das Pygmalion-Theater in Wien-Josefstadt zog die Premiere von "Die Waffen nieder!" vor. Die Erstaufführung fand nun zwischen dem 100. Todestag der Autorin des gleichnamigen Romans, Bertha von Suttner, und dem Jahrestag des Attentats von Gavrilo Princip auf Thronfolger Franz Ferdinand und Ehefrau Sophie in Sarajevo an.

Ein Kreuz mit dem Krieg

Foto: Pygmalion Theater
Ein schlichtes aus zwei ungehobelten Brettern mit einem Seil zusammen gebundenen Kreuz dominiert in diesem Stück die Bühne des – immer- in schwarz gehaltenen Kellertheaters in einem Hinterhaus an der Alserstraße. Davor eine Bank mit zwei Kerzen. An die Wand dahinter werden Videos mit Ausschnitten aus Kriegsfilmen projiziert. Immer wieder sind Schüsse zu hören. Aufgebracht wettert Vater Althaus gegen "die Katzelmacher", die Italiener, die dem kaiserlichen österreichischen Heer eine Niederlage zugefügt haben. Und obwohl dabei auch sein Schwiegersohn getötet wird, tröstet er seine Tochter Martha (Constantina-Elisabeta Vanca) nicht, sondern freut sich auf einen frisch-fröhlich neuen Krieg, wo sicher Rache genommen werde.

Außenseiterin

Foto: Pygmalion Theater
Mindestens so überzeugend wie Reinhold Gugler (der auch die dramatisierte Fassung aus Suttners Roman erstellte) die Kriegslüsternheit des Adeligen spielt, so gibt auch Ingeborg Mammerler die fast kriegsgeile Tante Marie. Ihre (Selbst-)Ausrede: Alles nur göttliche Vorbestimmung. Immer mehr wird Martha zur Außenseiterin gedrängt. Ein Krieg nach dem anderen – und sie steht als einzige dagegen, wünscht sich Frieden, dass Staaten ihre Konflikte wie Menschen vor einem Gericht (so etwas wie die UNO und deren Vorläufer, den Völkerbund, gab es damals och nicht) austragen. Ihre alte adelige Offiziersfamilie "mit patriotischer Erziehung" hingegen bejubelt jeden neuen Waffengang.

Hin- und hergerissen

Foto: Pygmalion Theater
Lediglich einer der Gäste der Familie, Baron Tilling (Philipp Kaplan - schön schwankend zwischen Soldat-sein und es nicht wirklich wollen), selbst ein Militär, weil er damit seinen Lebensunterhalt verdient, zweifelt auch an der Sinnhaftigkeit dieses Tuns. Er sei Soldat geworden, um sein Land zu verteidigen wie Feuerwehrleute einen Brand zu löschen, nicht um Länder zu erobern. Schon will er den Dienst quittieren, da lässt er sich doch noch einmal einberufen – in die Schlacht nach Königgrätz. Als Martha, inzwischen Frau Tilling, nichts von ihrem Ehemann hört, fährt sie an den Ort des Gemetzels und kommt angesichts der Gräuel die sie gesehen hat noch stärker Kriege hassend zurück.

Zerbrechlich und doch ungeheuer stark

Als kleine, zierliche Schauspielerin gibt Constantina-Elisabeta Vanca eine wunderbare Gräfin Martha Althaus zwischen schierer Zerbrechlichkeit und unbändiger Friedenskämpferin in einer Umgebung, wo (fast) alle hurra-patriotisch für den Krieg schreien.

Wandel

Foto: Pygmalion Theater
Ein wenig überraschend schließt sich Tante Marie am Ende doch ihrer Nichte und nicht den männlichen Verwandten, deren Position sie fast noch stärker vertreten hatte, an und ruft eine Variante von Maries dem Suttner Roman Titel gebenden Spruch aus: "Nieder mit den Waffen!"

Nebenrollen

Nicht unerwähnt bleiben sollen Philipp Lernbaß in der Rolle der Karikatur des Ministers Allerdings, der meist nicht viel mehr als dieses Wort und dazugehörige Gesten von sich gibt und Daniel Gavris als Althaus' Diener Franz. Letzterer tritt nur ganz selten auf, hat fast nichts zu sagen, trifft dies jedoch jeweils punktgenau.

Infos

Die Waffen nieder!
Dramatisierte Fassung von Reinhold Gugler nach dem Roman von Bertha von Suttner

Besetzung

"Opera Prima" gewinnt die "Goldene Jetti 2014"

"Durch die 2014 zum vierten Male statt findende Verleihung des Branchenpreises "Goldene Jetti" werden Unternehmen prämiert, die mit ihren innovativen, kreativen, außergewöhnlichen und erfolgreich umgesetzten Konzepten, Produkten, Veranstaltungen oder Einrichtungen das Wiener Freizeitangebot und somit die Lebensqualität in Wien wesentlich und nachhaltig bereichern."

Opera Prima – Konzept Identity

"Opera Prima" – das professionelle Erstlingswerk – ist ein Konzept, das KünstlerInnen beim Einstieg in die professionelle Welt des Theaters fördert. Es handelt sich um eine Plattform, die jungen KünstlerInnen, sei es aus dem Bereich des Schauspiels, der Regie, Bühnenbildnerei, Malerei, Dramatik/literarischen Tätigkeit, des Lichtdesigns, etc. ermöglicht, in der professionellen Theaterwelt künstlerisch wie wirtschaftlich Fuß zu fassen sowie zu bestehen.
Darüber hinaus steht die Plattform "Opera Prima" auch älteren KünstlerInnen zur Verfügung, welche sich wirtschaftlich noch nicht erfolgreich in ihrer Tätigkeit etabliert haben, und unterstützt diese dabei, sich neu am Arbeitsmarkt zu positionieren. Dadurch wird ihnen der Einstieg aus der No-Name-Welt auf eine professionell und wirtschaftlich namhafte Bühne ermöglicht. Weiters bietet die Plattform "Opera Prima" für ÖsterreicherInnen mit Migrationshintergrund die Möglichkeit, sich künstlerisch zu beweisen, gleichzeitig wirtschaftlich sich abzusichern und dadurch sich in sozialer Hinsicht zu integrieren und zu etablieren.
"Opera Prima" versteht sich als Kontaktplattform zwischen der anerkannten künstlerischen Welt und der No-Name-Welt.

Opera Prima – Projekterfolgsnachweise

"Opera Prima" ist seit 1995 aktiv, und hat in fast zwanzig Jahren etliche Referenzerfolge vorzuweisen.
Jedes Jahr werden 6 Produktionen des Pygmalion Theater unternommen, im Rahmen derer sich die Begünstigten der "Opera Prima"-Plattform einbringen können. Eine erfolgreiche PR-Arbeit, welche oben genannte Produktionen ins Bewusstsein der Gesellschaft (Fernsehen, Print-Medien, online-Medien) rückt, wie auch ein erster lukrativer Job sind die wesentlichen Elemente, welche als Referenz und erfolgreiche Marktempfehlung durch "Opera Prima" erzeugt werden, und dadurch als Visitenkarte für die künstlerische wie wirtschaftliche Weiterentwicklung dienen.

"So ein Theater"

Stefan Zweigs "Schachnovelle" läuft in Wien als Dauerbrenner
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Sie kennen natürlich die Schachnovelle. Haben Stefan Zweigs bekanntestes Werk gelesen oder die Verfilmung mit Curd Jürgens gesehen. Falls nicht, sollten Sie das nachholen. Oder Sie gehen ins Pygmalion Theater in der Alser Straße.

Schon seit Jänner steht das Stück dort auf dem Spielplan, übrigens nicht zum ersten Mal. Offenbar ist es ein Dauerbrenner im "Theater der Newcomer", wie sich das Pygmalion selbst nennt. Nach der Sommerpause erfolgte kürzlich die Wiederaufnahme der aktuellen Inszenierung... Wenn Sie Ihr Ticket an einem Montag zwischen 11 und 14 Uhr direkt im Theater holen... zahlen Sie nur fünf Euro pro Karte. Aber auch der reguläre Eintritt um 15 Euro ist sein Geld wert.

Geirun Tino hat als Dramaturg und Regisseur ganze Arbeit geleistet: "Die Schachnovelle" ist nicht eben einfach auf eine Bühne zu bringen, changiert die Handlung doch zwischen einer Gefängniszelle und einem Hochseedampfer. Im kleinen Pygmalion braucht es dafür keine Umbauten. Ein paar Schachbretter, zum Angreifen nah für das Publikum, dienen als Kulisse für Spiel, Tanz und Dramatik, im Hintergrund das stete Ticken der Schachuhren. Die Zuschauer werden stellenweise miteinbezogen, erhalten vom Steward, der die Geschichte erzählend begleitet, nebenbei ein Gläschen Sekt gereicht.

Denn sie wissen, was sie tun

In der Hauptrolle des Dr. B. brilliert Reinhold Gugler, der von höchster Lebenslust ins Schachfieber-Delirium verfällt, in dem alle seine Gedanken nur noch um Partien kreisen, die zu einer anderen Zeit an einem anderen Ort stattgefunden haben. Beängstigend echt, seine Mimik und Intonation im Schachwahn. Georg Gogitsch gibt seinen Widerpart, den Weltmeister Czentovic, eine arrogante Inselbegabung in schweren Stiefeln.

Der geübte Spieler kann es sich nicht verkneifen, die dargestellten Partien auf ihre schachliche Richtigkeit zu überprüfen. Und bis auf die furios hektische Schlusspartie halten sich die Mimen an die Regeln, was eigentlich unwesentlich ist, aber trotzdem freut: Denn sie wissen, was sie tun. Dass die Schauspieler bei unserem Besuch später, nach dem Stück, sogar noch eine Partie mit uns gespielt haben, war das Schlagrahmhauberl oben drauf. Mit Schachspiel oder ohne: Applaus für ein Theater zum Anfassen. Schau'n Sie sich das an.

"Der Marilyn Monroe Prozess"

Dr. Dietrich Derbolav, Senatspräsident des OLG i. R., 13. Juli 2013

Gestern habe ich die ausgezeichnete Kammeroper "Der Marilyn Monroe Prozess" gesehen. Das Buch, die Komposition, die Regie, die Schauspieler waren alle eindrucksvoll!
Ich habe schon lange keinen so schönen Theaterabend erlebt - dafür herzlichen Dank.

"Der Marilyn Monroe Prozess" im Schloss

Die amüsante Kammeroper im Schloss Kirchstetten uraufgeführt

Bezirksblätter Mistelbach, 03./04. Juli 2013

"Der Marilyn Monroe Prozess", eine Koproduktion von Kirchstetten und dem Wiener "Pygmalion Theater" - ist eine augenzwinkernde, amüsante Kammeroper im Gerichtssaal, geschrieben vom Wahlweinviertler Roland Baumgartner, der sehr erfolgreich Filmmusik und Opern über berühmte Persönlichkeiten schreibt.

Nach einer Bürgerinitiative prallen bei der Frage, ob man eine Straße in einem Weinviertler Dorf nach Marilyn Monroe - eine der berühmtesten Persönlichkeiten der vorigen Jahrhunderts - benennen kann - Vorurteile, Scheinmoral, Kleinbürgertum und Glamour-Welt aufeinander.

Die charmante Marilyn alias Catarina Coresi Lal (Sopran) gefiel dem Publikum ebenso wie die konservative Anklägerin Elisabeth Wolfbauer (Mezzo) und der Richter Till von Orlowsky begleitet vom "Creativ Arte"-Streichquartett unter der Regie von Geirun Tino.

Bravorufe und viel Applaus bei den Zuschauern.

Würdig oder nicht würdig

Im Schloss Kirchstetten fand die Uraufführung der Kammeroper "Der Marilyn Monroe Prozess" von Roland Baumgartner statt und wurde stürmisch bejubelt

NÖN, Woche 27/2013

Im Rahmen des "Viertelfestivals" machte das Wiener "Pygmalion Theater" Station im Schloss Kirchstetten, wo im Maulpertschsaal die Kammeroper "Der Marilyn Monroe Prozess" des in Untermarkersdorf beheimateten Komponisten Roland Baumgartner als Uraufführung über die Bühne ging.

Dem Motto des Viertelfestivals "Brandungszone" gemäß stellte der Librettist Geirun Tino, der auch für die Inszenierung verantwortlich zeichnet, die Frage in den Mittelpunkt, ob Marilyn Monroe, dem Hollywoodstar und Schönheitsideal der 40er- und 50er-Jahre des vorigen Jahrhunderts, in einer Kleinstadt eine Straße gewidmet wird. Eine Bürgerinitiative ist vehement dagegen, also muss ein Gericht darüber befinden.

In der Verhandlung prallen zwei Welten aufeinander. Die sachliche Verteidigerin, die mit ruhigen Argumenten keinen Zweifel aufkommen lässt, dass Marilyn Monroe ein Leben lang ihrem Herzen und ihren Gefühlen folgte, und die Anklägerin, die emotionsgeladen das Leben der Ikone als unmoralisch und verwerflich abqualifiziert. Dazwischen steht der Richter, der, immer unsicherer werdend, sich letztlich auf die Gerechtigkeit beruft.

In der gesanglich anspruchsvollen Rolle der Verteidigerin glänzt Catarina Coresi Lal, die sich immer mehr mit der Sexgöttin identifiziert. Während Elisabeth Wolfbauer als emotionale Anklägerin die begrenzte Sicht der Kleinbürger verkörpert. Der Richter, Till von Orlowsky, entscheidet schließlich aus dem Bauch heraus.

Das Streichquartett "Creativ Arte" mit Paula Rahbari, Silvia und Sebastian Reiß und Julia Schöllauf unter der Leitung von Andrija Pavlic beeindruckt unter Auslotung aller Nuancen mit der Umsetzung. Ein Beifallssturm und Bravorufe danken den Künstlern für einen in jeder Hinsicht gelungenen Theaterabend.

Göttinnen des Glamours

NÖN, Woche 22/2013

Mit dem Musical "Sisi. Die Seele einer Kaiserin" konnte Komponist Roland Baumgartner einen weiteren Erfolg landen. Die dichte, spannungsvolle Inszenierung, die Geirun Tino im Wiener "Pygmalion Theater" auf die Beine stellte, vermittelt einen eindrucksvollen Blick in die Regungen und Gefühle der unglücklichen Kaiserin, die ein Leben lang Geborgenheit suchte, die sie jedoch am Kaiserhof nicht fand. Im engen Raum des Kellertheaters brauchte es keine Showelemente, um sowohl die lyrischen wie dramatischen Geschehnisse glaubhaft zu machen.

Dies ermöglichten auch die Melodien, die der Handlung entsprechend diese untermalen, wie etwa die wahrhaft knisternden Liebesszenen, oder das Aufeinandertreffen der beiden Kontrahenten Kaiser Franz Josef und Graf Andrasy, bei dem die Kaiserin zwischen Liebe und der Pflicht, das beste für das Land zu tun, hin- und hergerissen wird.

Doch auch die Protagonisten tragen einen nicht unwesentlichen Teil zum Erfolg bei. So krönte Merle Saskia Krammer ihre verinnerlichte Darstellung der Sisi mit einem ergreifend gesungenen "Agnus Dei", während Ingeborg Mammerler genauso überzeugend als Zeitungsjunge durch die Zeit führt, wie in der Rolle der Titania den Verlauf des Schicksals der Monarchin verständlich macht. Till von Orlowsky ist ein eleganter Franz Josef, Luka Gudely ein vehementer Verfechter der Interessen seiner ungarischen Landsleute. Andreea Chira wurde nach ihrem Solo auf der Panflöte stürmisch gefeiert.

Wie Hundertwasser die Welt rettet

von Karsten Babucke – www.rezensoehnchen.com, 11. 05. 2013

Das Leben und besonders das Gedankengut des Künstlers und Philosophen Friedensreich Hundertwasser setzte das Pygmalion Theater aus Wien bei ihrem Gastspiel im E.T.A Hoffmann Theater in Bamberg eindrucksvoll um.
Die musikalische Leitung des Musicals hatte Roland Baumgartner, und inszeniert wurde das Stück von Geirun Tino.

Das Bühnenbild wurde betont schlicht und farbreduziert gehalten. Eine Kachelwand aus Papierblättern bildete den Hintergrund, durch die Hundertwasser mit seiner Muse schritt. Es wurde eine karge, zerstörte, futuristische Welt dargestellt, in der es keine Bäume gibt, und die Luft von Chemikalien und Atommüll verpestet ist. In dieser Welt entdecken die letzten Überlebenden einen Baum, den Baum der Weisheit, der den Bewohnern dieser Erde von Hundertwasser und seinen Ideen, die Welt zu retten erzählt. Da erscheint Hundertwasser auf der Bühne und belebt die Welt wieder mit Farben und Formen. Er duelliert sich mit seinem Konkurrenten, einem großen Weltarchitekten und Vertreter der geraden Linie, die für Hundertwasser den Untergang bedeutet. Als Hundertwasser zweifelt, die Menschheit noch retten zu können, erscheint ein allwissender Straßenkehrer. Er führt ihn wieder auf seinen rechten Weg. Der Straßenkehrer ist eine Figur, die ein Schattendasein führt, da alle an ihm vorbei ziehen, ohne ihn wahrzunehmen, und eine Symbolfigur für Gott, der die Wege der Menschheit ebenso unsichtbar wie allgegenwärtig bereitet, ohne den die Welt aber im Chaos versinkt.

Im zweiten Akt erscheinen Hundertwasser die großen Berühmtheiten Österreichs, die ihn mit auf die endlose Reise mitnehmen möchten, denn Hundertwasser ist wie sie in den Erinnerungen der Menschheit verblieben. Bis er am Ende seinen eigenen Weg weiter geht.

So durchlebt man in dem Musical das Seelenleben des Künstlers, als würde man einen Traum Hundertwassers beobachten. Es wurde bewusst nicht auf die Kunst Hundertwassers, sondern auf seine Botschaften eingegangen. Besonders in der heutigen Zeit, in der von Atomkatastrophen in Fukushima bis zu Umweltverschmutzungen, wie Atommüll im Ärmelkanal, der Albtraum wahr wird, trifft dieses Werk den Zahn der Zeit. So stellte sich dem Publikum nicht das Gefühl eines Happyends ein, wobei die Schauspieler im Finale Hundertwasser als Freund der Erde feiern.

Ein faszinierendes Musical, das zum Denken anregt, und bei dem man sich bewusst wird, dass die Ideen Hundertwassers gerade in der heutigen Zeit sehr aktuell bleiben. Seit dem Tod Hundertwassers ist die Welt grüner geworden. Wir wenden uns ab vom Atomstrom, doch geht der CO2 Verbrauch nur schleppend zurück. Dies liegt vielen auf der Seele, daher ist der Funken im Finale eher schwer übergegangen, denn man fragt sich: geht der Traum in Erfüllung, oder enden wir auch bald so wie in dieser grausigen Zukunftsvision?

"The performance was great!"
Marianne Woods


"A very philosophical play and a perfect performance through which we felt like on the edge of a razor - you never know where the action will go...Let's congratulate you with this success."
Alexej and Elena Siniakov, Moskow

Pygmalion-Theater brilliert mit Strindberg in Wien

von Peter Lenz, "ADZ - Allgemeine Deutsche Zeitung", Mai 2011

Geirun Tinos Ensemble spielte wiederholt in Rumänien

Tropfende Wasserhähne, Haushaltsgeräte und eine die Bühne einnehmende Gebetswand – das ist die Kulisse der Inszenierung von "Fräulein Julie" des Pygmalion-Theaters – die Adresse für Kleintheaterliebhaber in Wien. Das Strindberg-Meisterwerk spielt, wie im Text vorgesehen, in der gräflichen Küche in einer Mittsommernacht, doch ergeben sich deutliche Bezüge zu den zwanziger Jahren des letzten Jahrhunderts.

Dazu trägt die Gestaltung der Rolle des Fräulein Julie bei, die mit einem Kostüm im Schnitt der "golden twenties" und einem fulminanten Auftritt im Charleston-Schritt anfänglich die Provokation und Herausforderung des Neuen, das Bild der modernen Frau verkörpert. Verstörend – so wirkt diese Performance auf den gräflichen Diener Jean und seine Verlobte Kristin. Gefangen in einer Welt kleinbürgerlicher Ideale, Werte und Moralvorstellungen betrachten der Diener und die Köchin jede Neuerung, jedes unstandesgemäße Verhalten mit Befremden.

Doch die konservative Beziehung der beiden wird durch Julie auf eine schwere Probe gestellt. Aufreizend versucht sie, Jean zu verführen – und schafft es schließlich auch. Mit dem Sexualakt sind auch die Rollen klar ausgetauscht: Jean wittert die Möglichkeit des sozialen Aufstiegs und ist von jetzt an befehlender Part, Julie, fassungslos über das, was sie getan hat, ordnet sich unter. Ihre stetige Ernüchterung und Verzweiflung enden schlussendlich im Selbstmord, den die wieder vereinten Jean und Kristin mit einem erleichterten "Amen" kommentieren.

Eine sehr gelungene Inszenierung des Jungregisseurs Philipp Kaplan und ein mitreißendes Spiel der jungen Darsteller. Das Zusammenspiel zwischen Julia Prock-Schauer als Fräulein Julie und Philipp Kaplan als Jean funktioniert auf allen Ebenen, als Zuschauer lässt sich die Ambivalenz der Beziehung perfekt nachvollziehen. Julia Prock-Schauer überzeugt als junges, naives, lebensfrohes und doch tiefgründiges Fräulein: Die überzeugend dargestellte anfängliche Lebensfreude und erotische Begierde Julies weichen sehr berührenden Momenten, in denen ihre verletzliche und sensible Seite zum Ausdruck kommt. Eine nuancierte und facettenreiche Darstellung, die auch bei den anderen Schauspielern sehr zu loben ist. Philipp Kaplan wirkt glaubhaft in der Rolle des vom sozialen Aufstieg besessenen Jean.

Das Pygmalion-Theater in der Alserstraße 43 im 8. Wiener Bezirk unter der Leitung des in Brâila gebürtigen Regisseurs Geirun Tino, hat schon früher durch grandiose Inszenierungen auf sich aufmerksam gemacht. Die Wiener Presse beachtet das wirkungsvolle Pygmalion-Theater sehr. Unter anderem standen Kafka, Ionesco, Büchner und Schnitzler auf dem Spielplan. Ursprünglich ein Geheimtipp, ist das Theater mittlerweile ein fester Bestandteil der Wiener Szene geworden. Der Inhaber, Geirun Tino, ist ein wahrer Kulturbotschafter. Es gab bereits zahlreiche Gastspiele in Rumänien, Polen, der Slowakei, Ungarn oder Frankreich und Übersee. Vergangenes Jahr gab es anlässlich des Donau-Theaterfestivals im Teatrul Valah in Giurgiu ein Gastspiel des Pygmalion-Theaters mit "Fräulein Julie", das begeistert aufgenommen wurde (siehe dazu das ADZ-Interview mit Julia Prock-Schauer vom 28. Januar 2011).

"Grandios inszeniert!"
Tageszeitung HEUTE, 27.04.2011



"[Eine] außergewöhnlich berührende, unvergleichlich authentische Aufführung von Büchners Woyzeck. Gratulation auch zu den großartigen Schauspielern und zur sehr, sehr passenden Ausstattung."
Thaddäus Brugger, Lehrer am G8

Wenn Stimmen im Kopf näherrücken

von Klaus Huhold – "Wiener Zeitung", 2009, Wien

Das Unheil kündigt sich sofort an: Das Ensemble des Pygmalion Theaters empfängt die Besucher zur Aufführung von Georg Büchners Dramenfragment "Woyzeck" mit einem vielstimmigen Chor, der immer dissonanter wird und immer bedrohlicher wirkt.

Auch in Woyzecks Kopf schaffen sich verschiedene Stimmen zusehends Raum, lassen die Tragödie in der Beziehung zu seiner Geliebten näherrücken. Gleichzeitig ist der einfache Soldat Woyzeck den Launen und wirren Gedanken seines Hauptmannes ausgesetzt und wird von einem Arzt zu einem menschenverachtenden Experiment missbraucht. Der Arzt seziert gleichsam Woyzecks Zustände, und in der Inszenierung von Geirun Tino wird dieses grausame Spiel der Beobachtung noch weiter getrieben: Woyzeck entkommt den ihn verfolgenden Blicken nicht, er ist umringt. An drei Seiten sitzt das Publikum, an der vierten das Ensemble.

Dieses überzeugt großteils. Einen gewaltigen Eindruck hinterlässt etwa Georg Gogitsch als Hauptmann, wenn dieser sich in einem atemberaubenden Furor zu einem tugendhaften Menschen erklärt.

Dem in Sprachführung und Charakterzeichnung herausragenden Werk Büchners wird mit einer einfallsreichen Inszenierung begegnet, die die Möglichkeiten eines Kellertheaters gekonnt nützt.

Das imaginierte Amerika

von Adrian Mihalache – "Theater heute", 2002, Bukarest

Franz Kafka war nie in Amerika, er hat es sich nur vorgestellt. Jeder hat sein eigenes Amerika, ein mentales Konstrukt einer exotischen Welt;  für einige eineUtopie, für andere eine Dystopie -  ein Bild, das zugleich durch die psychischen Mechanismen von Ausgleich und Übertragung therapeutische Wirkung haben kann. Madeleine ist mon Amerique à moi singt Jacques Brel über seine unerreichbare Geliebte. Zu Kafkas Zeiten war Amerika das Land der unbegrenzten Möglichkeiten und Versprechungen, aber auch Zuflucht für alljene, die alles verloren haben. Der Autor hatte es sich wohl zur Aufgabe gemacht, gegen dieses Klischee anzurennen, indem er einen realistischen, nicht aber seinen besten Roman schrieb. Man spürt darin die polemische Absicht wider die landläufigen Bilder aus zweiter Hand. Diese Schwächen deutet die Dramatisierung von Geirun Tino, einem ursprünglich aus Braila, Rumänien, stammendem Wiener Regisseur zum Vorteil der Aufführung um. Anstelle der im Roman beschriebenen Konfrontation zwischen dem Ideal von Karl Roßmann und dem enttäuschenden wahrhaftigen Amerika, besteht hier der zentrale bühnensymbolische Konflikt in der geistigen Auffassung eines Emigranten versus der symbolischen eines Künstlers. Karl Roßmann frisch per Schiff gelandet, trifft auf einen Landsmann, ein Straßenmaler, der ihm buchstäblich ein durch Straßengemälde rekonstruiertes Amerika zu Füßen legt. Physisch schwebt das imaginierte Amerika über dem gezeichneten. Auf ein Blatt Papier, das fast den ganzen Boden des Bühnenraumes bedeckt,  werden währende der Aufführung immer wieder Zeichnungen mit lockerer Hand hingeworfen, Skizzen, die wir leider nicht sehen können, wir können aber vermuten, dass sie an Saul Steinberg gemahnen — ein anderer Amerikaner dieser Provenienz.

Dazu steht die darüber hängende Amerikanische Flagge, die Stars & Stripes, als hätte sie Jasper Johns gemalt, in engem Kontrast. Mit präzisem Gestus und reich an Einfällen spielt Ip Wischin die Rolle des Straßenmalers, und baut vor uns einerseits seiltänzerisch, andererseits erbarmungslos sein Amerika, knapp und komplex zugleich im Ausdruck. Ali Nouri, der Interpret von Karl Roßmann, hält während der ganzen Aufführung einen in Verwunderung fixierten Ausdruck und kontrastiert so die faszinierende Mobilität seines Partners. Gemeinsam bilden die beiden ein Beckett’sches Duo wie Wladimir und Estragon, die in Godots Behausung angekommen sind, dort aber niemanden vorfinden. Obwohl ich selbst nicht gut Deutsch spreche, war mir die sehr präzise Sprachmodulation mit ihrer Differenzierung europäischer Tonalität und kultureller Anpassungsmühe deutlich zugänglich. Besonders bemerkenswert ist das Finale, in dem die Amerikanische Hymne „Star Spangled Banner" gesungen wird.

Die Aufführung lädt zur Reflexion über stilistische Grenzen einer heterogenen Darstellung ein, worin verschiedenste semiotische Elemente miteinander in Zusammenhang gebracht werden. Die Flagge auf der Vertikalen, die Zeichnungen, die auf der Horizontalen ausgeführt werden, die besonders reiche Gestik in der dritten Dimension, die expressive Sprache, die im Jetzt verankert ist, all dies baut eine Polyphonie wohldefinierter Stimmen und Gegenstimmen auf, insgesamt Theatermagie, die eine bestechende Aufführung ergibt.

 

"Amerika" im Theater Pygmalion

Austrian Theatre Edition | DRAMA Universität Oxford, Ben Hutchinson

Dass Kafkas Roman "Der Verschollene"/"Amerika" unter zwei verschiedenen Titeln bekannt werden sollte, ist bezeichnend für die Zwiespältigkeit des Werkes. "Karl Roßmann aus Europa" wurde unter fragwürdigen Umständen aus dem alten Kontinent ausgestoßen. Er trifft voll nervöser Hoffnung in New York ein, vollkommen unvorbereitet für die realen Erfordernisse eines Neuanfangs. Das allmähliche Scheitern seines american dream, die Desillusionierung eines Lebens, das ihm aufgezwungen wurde, ist bezeichnend für das vertraute Schwergewicht in Kafkas Werk auf der passiven Hilflosigkeit des Individuums, das die Maschinerie einer modernen Welt redundant werden ließ.

Dies ist eine Geschichte, die mehr von Immigration, denn von Emigration erzählt, eine Geschichte, die auf der Schwelle einer Ankunft – nicht einer Abreise – stattfindet. Die Dramatisierung des in Rumänien geborenen Geirun Tino dieses Romans für sein Theater Pygmalion in Wien betont genau das von Anfang an. Der Hintergrund, eine dünn gemalte, blasse amerikanische Flagge mit Davidsternen (eigentlich Pentagrammen – Anmerkung des Übersetzers) über den Streifen wirkt wie ein Echo der überdimensionalen Leinwand am Boden, in zweien der Ecken derer einander wie Freistilringer je ein Schemel und ein Koffer gegenüber gesetzt sind. Sie suggerieren den Kontrast zwischen der Reise eines Emigranten und der Angestammtheit eines Eingeborenen. Diese beiden Requisiten repräsentieren die Positionen, die von den beiden einzigen Schauspielern in diesem Stück eingenommen werden. Roßmanns erste Begegnung in der Neuen Welt findet mit einem Straßenmaler statt, welcher dabei ist, die Freiheitsstatue eifrig abzumalen. Das ist ein gelungenes Gleichnis: auf der tabula rasa eines Neuanfangs müssen beide ihr Leben umgestalten. Dieser zweite Schauspieler nimmt allmählich eine ganze Serie von gegensätzlichen Identitäten an, wobei er die verschiedenen Charaktere repräsentiert, denen Roßmann begegnet. Gleichzeitig bleibt er immer auch der Straßenmaler, der sehr oft das Gesagte durch Zeichnungen unterstützt, wie um das Gesagte noch zusätzlich mit Realität zu unterlegen. Zu Beginn gibt er sich als Heizer zu erkennen, den wir in der Anfangsszene des Romans finden. Bald nennt er sich Onkel Jakob, und wird somit zu Roßmanns natürlicher Bezugsperson. Beständige Schlaglichter erhellen den Kontrast zwischen der Alten und der Neuen Welt. "Auf Mitleid darf hier keiner hoffen" betont der Straßenmaler, der vom Publikum Kleingeld erbettelt, wie als ob er damit seinen Standpunkt beweisen wolle. Roßmann hat keine Hoffnung, seinen verlorenen Koffer wiederzufinden ("Hier sind die Sitten auch anders"), und während einerseits seine Versuche, ein deutsches Reiterlied zu übersetzen, kläglich scheitern, ist es vielleicht umso vielsagender, dass der Straßenmaler seinerseits nur wenig Englisch spricht, ein Zeichen von Unfähigkeit, sich zu assimilieren und anzupassen.

Nach der Pause werden noch mehr Kunststücke mit der Identität des letzteren gespielt. Waren wir zuvor verleitet worden, durch die Augen von Roßmann Onkel Jakobs Identität als wahrhaftig anzunehmen, so gibt er sich nun als Robinson zu erkennen, ein irischer Emigrant. Dies ist etwas, was Roßmann nicht glauben will. Immerwieder stammelt er den Namen des Onkels, als sei das ein Tailsman gegen all seine Unsicherheiten — glücklicher über eine tröstliche Lüge, denn über die harsche Wirklichkeit. Roßmann verliert jedes Vertrauen in den Straßenmaler, er klagt ihn an, seinen Koffer durchwühlt und im Speziellen ein Familienfoto entwendet zu haben. Robinsons komische Versuche, dieses Porträt auf seiner Leinwand nachzumalen, scheitern natürlich und stehen einmal mehr für den unüberwindlichen Ozean zwischen seiner Vergangenheit und seiner Zukunft.

Die letzte Szene führt uns zum Hotel Occidental. Roßmann hat Arbeit als "Liftjunge" gefunden, aber ist schon wieder im Begriffe, durch den Straßenmaler in seiner Rolle als "Oberkellner" gefeuert zu werden. Die Identitätswechsel scheinen hier gezielt verwirrend gestaltet zu sein. Als er angeklagt wird, seinen Posten verlassen zu haben, protestiert Roßmann "es muss [sich] […] um eine Verwechslung handeln". Der Straßenmaler führt ein Telefonat mit Roßmanns Mutter und der Frau Oberköchin in Personalunion, unter Verwendung einer Perücke spielt er so auch die andere Seite des Telefonats, sodass Roßmann für die Dauer des Telefonats gezwungen ist, zeitweilig den Standpunkt des Oberkellners einzunehmen. Hier wird der spezielle Kafkaeske Ton getroffen: der Protagonist ist verwirrt und wird durch Umstände beeinflußt, die jenseits seiner Kontrolle liegen, so sehr er sich auch bemüht, sich seine neue Identität in dieser brave new world zu zimmern. Das Stück endet damit, dass Roßmann gekündigt und verlassen wird. Alle seine Hoffnungen haben sich in nichts aufgelöst, verkörpert durch die wechselnden Identitäten des Straßenmalers, welcher lustvoll die Hymne vom star-spangled banner singend abgeht. Als Sillhouette vor dem Hintergrund der Amerikanischen Flagge stehend entlässt Roßmann einen letzten Aufschrei, der von vielen der Kafka’schen Heroen stammen könnte: "Ich hab genug gehabt".

Die Dramatisierung des Romans von Kafka wirft neue Fragen bezüglich Genrespezifität auf, und führt zu individuellen technischen Überlegungen. In einem Theaterstück ist man bar der erzählerischen Möglichkeiten, die die Prosa bietet, weitgehend auf Dialog und Gestik angewiesen. Kafkas karge Sprache aber erlaubt diese Übersetzung wie auch Geirun Tino an anderer Stelle bemerkt hat: "Meines Erachtens schrieb Kafka theatralischer als Jelinek". Bestechende Fragen über gegenseitige Beeinflussung werden aufgeworfen. Liegt die Tatsache, dass die Dialoge unausweichlich an Beckett, Pinter oder Stoppard erinnern, bloß an der Eigenschaft des Kafka’schen Einflusses auf diese, oder hat sich der, das Stück Dramatisiernde im Rückwärtsgang durch die Literaturgeschichte gelesen? Die beiden Schauspieler gehören unverkennbar den Traditionen des double act des XX. Jahrhunderts an, wie etwa Laurel und Hardy, Wladimir und Estragon, Rosenkrantz und Guildenstern. Es gibt eine Menge Vaudeville-artiger Komik in Bezug auf Roßmanns Kleidung, seinen seriösen, aber schmutzigen Anzug, "der tatsächlich nur in Europa möglich ist", sein Charlie Chaplin-Hut, seine überpolierten Schuhe, die immerwieder ausgezogen werden müssen, um auf der Malerleinwand gehen zu können, und die schließlich als Ersatzobjekte herhalten müssen, repräsentativ für Requisiten, die für offensichtliche Armut, aber auch für das Prinzip der zur Tugend gemachten Not stehen [mother of invention]. Die Rollen stellen ungeheure Anforderungen an die Schauspieler, aber es ist eine Herausforderung, der beide mit Aplomb begegnen — ganz speziell Ip Wischin als Straßenmaler, der das Gegenüber zu Roßmanns Mann von der Straße verkörpert, und es dabei schafft, die zahlreichen Identitäswechsel überzeugend zu vermitteln und dennoch gleichzeitig stets der selbe verarmte Straßenmaler zu bleiben, wobei er eine weite Palette von Registern zieht: vom Komödiantischen (Rolf Harris, Marcel Marceau?) bis zum beängstigend Brutalen. Man könnte sicherlich die Szenenauswahl in Frage stellen, die getroffen wurde, Streichungen und Weglassungen von Szenen und Personen: die Stelle im Oklahoma Theater fehlt etwa zur Gänze, aber wenn man andererseits bedenkt, dass der Roman ja in ein Theaterstück verwandelt wurde — darüberhinaus mit einem sehr bewußten leading actor nach Vaudevillemanier — so scheint diese Dramatisierung implizit in der Struktur des Stückes selbst vorhanden zu sein. Es wäre schließlich unflätig, die Sünden der Auslassung zu tadeln. Vielmehr sollten wir die erfolgreiche Verknüpfung zu einem Ganzen feiern, die zur provokativen Erneuerung eines oftmals vernachlässigten Romans geführt hat.